No hablo de los villancicos, ni tampoco de los archirepetidos “Last Christmas” de los Wham o “Feliz Navidad”, próspero año y felicidad, de los Boney M, sino de otras no tan conocidas como las mencionadas anteriormente.
Freddie Mercury y sus Queen ya le cantaron a la navidad a mediados de los 80. Esta canción no salió publicada en ningún LP de la banda, sino como un single/maxisingle. Eso sí, más adelante ya ha figurado en muchas de las múltiples recopilaciones de la Reina.
Tampoco es especialmente recordada la canción que dió pie al primer Live Aid, en el 85 y que compuso Bob Geldof. “Do they know it’s Christmas”. En la que consiguió reunir a toda la flor y nata del mundo musical inglés de esa época. Esta canción se publicó en las navidades del 84 al 85 y medio año después, en julio del 85 se celebraba el mencionado Live Aid, en el antiguo y mítico estado de Wembley londinense y en Philadelphia.
En el post anterior ya hice referencia a la Band Aid y su canción benéfica. En el vídeo podemos apreciar lo jovencillos que estaban los Paul Young, Boy George, George Michael, Simon Le Bon, Tony Hadley, Sting o Bono.
Esta canción de John Lennon también es uno de los clásicos navideños, aunque con un doble sentido, como casi siempre en sus letras. No falta Yoko Ono, que aunque podía haberse quedado de espectadora, no es su peor interpretación. Sí, hoy me siento generoso en la calificación.
En el siguiente vídeo, papá e hija Cole, nos deleitan con esta preciosa canción navideña.
Y para acabar una instrumental. Simplemente porque lleva la palabra “Christmas” en el título. De la película “Feliz Navidad Mr. Lawrence”, del compositor japonés Riuchi Sakamoto.No busquemos esos ritmillos tan clásicos de la navidad en esta canción, porque no los tiene.
Me encantan las canciones navideñas americanas o bien que estén versionadas por conjuntos o cantantes anglosajones. Los que tenemos aquí…, bueno, son otro estilo
A finales del 84, Bob Geldof, cantante de The Boomtown Rats, los de “I don’t like mondays”, realizó un viaje a varias zonas desfavorecidas de África, y viendo la hambruna feroz que había, y sigue habiendo, en Etiopía, decidió crear una banda entre muchísimos artistas británicos para sacar una canción cuyos beneficios serían para ayudar, en la medida de lo posible, a los habitantes de aquel país.
Desgraciadamente, hoy en día, poco o nada ha cambiado.
La canción fue compuesta a medias entre el propio Geldof,y Midge Ure, de Ultravox.
Reunió el no va más de la época. Gente que no quiso faltar como Phil Collins, U2, Spandau Ballet, Duran Duran, Culture Club, Bananarama, Frankie Goes to Hollywood, George MIchael, Sting, Status Quo, Ultravox, Kool and the Gang, Paul Young,….
Se publicó la canción, acompañada de un video clip (era la época de su máximo apogeo), en el que se recogían momentos de la grabación.
De todas formas el cenit de la creación de Geldof llegó en julio del 85 en dos diferentes partes del mundo, en el JFK Stadium de Philadelphia y en el mítico estadio londinense de Wembley, con un macro concierto paralelo, el Live Aid, que reuniría a todas estas figuras de la música y a otras que por diversos motivos no habían estado en la grabación de la canción, como los mismísimos Dire Straits o Queen, que fueron los grandes triunfadores de aquel evento. Desde entonces, Queen y Wembley siempre han ido de la mano, incluso después de la muerte de Freddie Mercury, pues en ese estadio se celebró su homenaje, un macro concierto a beneficio de la fundación que lleva su nombre, para evitar el SIDA, la enfermedad que le mató. También fue el encumbrarmiento definitivo de U2, hasta entonces un grupo relaltivamente de minorías.
En el 2004 hubo una reedición de ese concierto, con artistas del momento: El Live Aid 8.
Una curiosidad: La Band Aid fue anterior a We are the world.
El disco con la portada más famosa de la historia del mundo de la música, el disco de los Beatles atravesando el paso de cebra dirigiéndose a los estudios de grabación y el escarabajo aparcado con dos ruedas encima de la acera. Menuda tarjeta de presentación.
Evidentemente, el disco está a la altura de su portada, y más. Son 17 canciones, algunas de ellas encadenadas o casi diría yo que incompletas, que sirvieron de despedida al grupo más grande de todos los tiempos.
Sobresalen en popularidad al resto “Come together”, “Something” o “Here comes the sun”, al haberse publicado en los dos primeros recopilatorios de los Beatles, el rojo y el azul. La primera de Lennon, las otras dos de un Harrison espectacular, en los más alto de su creatividad musical. (Al poco de separarse los Beatles publicaría su obra maestra, All things must pass). Matizo ésto ya que la mayoría de este álbum son composiciones de McCartney, aunque todo son verdaderas obras maestras. Paul en estado puro. El verdadero y el mejor.
Es la época de los Beatles melenudos, los de la última época. La ultimísma diría yo. De hecho, grabaron este disco con la separación del grupo ya en mente de todos. Aún así, ahí tenemos el resultado. De hecho el gobierno británico ha hecho lo posible para evitar la venta de estos míticos estudios de grabación. Patrimonio
Es un disco con un halo de misterio, ya que se han sacado muchas conclusiones de él y sobre todo, de su portada. Se concluye que McCartney está muerto y que esa foto representa un cortejo fúnebre, con Lennon, el primero, de blanco, como los predicadores, detrás Ringo, de negro, de duelo por su amigo difunto, le sigue McCartney, descalzo y con los ojos cerrados (se ve que en no sé qué civilizaciones se representaba a los muertos descalzos)., y por último, George Harrison, vestido con ropa informal, sería el enterrador.
También sorprende el hecho de que, a pesar de ser el último disco en grabarse, no fue el último en editarse, ya que este “honor” correspondió a “Let it be”, grabado anteriormente. Su lanzamiento coincidió con el anuncio de la separación del grupo.
No recomiendo ninguna canción en concreto. Recomiendo el disco entero. Y no una escucha individual de cada canción, sino los 47 min 24 seg del álbum, antes vinilo, ahora cd o archivo de mp3 o no sé qué formato.
Genial el disc, la portada, ells, la seva música…, tot!!! Se fa difícil imaginar què hauria estat de la música sense ells. Per a mi els millors. Fa uns anys varen fer una exposició a Palma dels quatre de Liverpool i a la publicitat van aprofitar la portada d’aquest disc on ells travessen el pas de vianants però darrere hi van col·locar la Seu. Encara guard la publi
Si dividieramos la carrera de Queen en cuatro partes, éste disco vendría a estar en la segunda, en la que ya han dejado atrás ese barroquismo tan clásico de sus primeros años, son un grupo consolidado y se lanzan a por todas en el mercado USA.
Nos situamos en el año 1977. El LP sale a la venta pocos días después de la muerte de Elvis. Queen ya ha sacado un sencillo doble con dos canciones himno, que a la larga serían efectivamente, su propio himno, porque no concibieron nunca una sin la otra. Estamos hablando como no de “We are the champions” y “We will rock you”. Cara A y Cara B de un 45 rpm. Vaya compra más bien hecha. Qué decir de estas dos piezas clásicas de la música rock del siglo XX. Cada día que pasa suenan una y otra vez. Nadie se cansa de escucharlas. Las emisoras de radio, las teles como sintonías de programas, de acompañamiento de reportajes,….. Y por supuesto, todo evento deportivo que se precie, acude a ellas. Tanto durante la competición, con We will rock you, para animar a los suyos, como al final, cuando ya se conoce al campeón y suena “We are the champions”, en la que todo el estadio y los propios jugadores hacen coros. A mi entender ,we will rock you es la canción más breve con más éxito jamás compuesta en la historia del rock. 2 minutos justos de verdadera potencia y energía. Es una canción con un rtimo relativamente simple, acompañado de la gran voz de Mercury hasta llegar al éxtasis final en uno de los solos de guitarra más impresionantemente interpretado por Brian May.
En realidad todo lo que pueda poner de estas dos canciones suena repetitivo, porque practicamente todo el mundo las conoce a la perfección, por tanto pasamos a analizar el resto del disco, con canciones menos conocidas para el gran público. Van desde el heavy más duro de “Sheer heart attack”, diría que una de las más duras compuestas por la banda, hasta la tranquilidad del blues que cierra el álbum “My melancholy blues”, única canción de este género que interpretaron. Resulta chocante pero esta canción va incluida en este disco cuando el tercer larga duración de los Queen tiene precisamente este título.
En los primeros 10 años del grupo era costumbre que tanto May como Taylor cantaran en alguna de las canciones de los discos que iba sacando la banda. Mercury les hacía los coros, como en “All dead, all dead”, compuesta y cantada por May, quien también ponía voz a la beatliana “Sleeping on the sidewalk”. Taylor, por su parte, puso su estilo y voz tan peculiar a la guitarrera “Fight from the inside”
“Spread your wings” es digamos la tercera canción famosa del disco, pues fue lanzada como sencillo. Compuesta por el tímdo y añorado Deacon y es de un estilo muy “queeniano”, un medio tiempo con el estribillo estilo himno.
“Get down make love” fue un clásico en todos los conciertos que dió la banda en los setenta. Una línea de bajo muy rítmica que daba pie a otra exhibición de la guitarra de Brian May, momento en el que las luces del escenario trabajaban a toda potencia.
“Who needs you” es otra composición de John Deacon. Se usó para la ocasión guitarra acústica dandole un toque muy peculiar, rozando lo español. De hecho, Mercury suelta una frase en castellano. Es otra muestra de la variedad de estilos que llegaron a abarcar.
Dejo para el final “It’s late” Dura más de seis minutos. Está dividida en tres partes y va cogiendo fuerza poco a poco, hasta llegar al final apoteósico. La recomiendo totalmente, como todo el disco, pero esta canción en particular, es una de mis debilidades. De hecho, y que yo sepa, no figura más que en este disco y en el recopilatorio “Queen rocks”, por tanto, posiblemente sea una de las joyitas, más o menos escondidas, que aún quedan por descubrir
Hola! Qué tal? Espero que muy bien
Estaba navegando de sitio en sitio y me encontré con tu blog. Ya que estoy aquí quisiera hacerte una recomendación a ti y a los que te visitan, sobre una página que me pareció muy buena, y que probablemente te vaya a gustar.
Podrás encontrar información sobre los mejores artistas, acceder a su biografía, datos curiosos, fotos y lo mejor es que podrás descargar música gratis, directo a tu computadora.
Espero que lo encuentres interesante, chequéalo tu mismo.
¿Qué puedo escribir de “Thriller” que no se haya escrito ya?
Podría empezar diciendo que es el disco más vendido de la historia con no sé cuantos millones de copias vendidas, por tanto se puede decir que como el público es soberano, estamos ante el mejor disco pop de la historia. La MTV lo eligió como tal.
Es un álbum que marcó un antes y un después en la historia de la música, y por supuesto, del propio Michael. Suena tan fresco como entonces, y estamos hablando de hace más de 25 años. Una combinación de sonidos superpuestos que nos sigue sorprendiendo.
Estamos hablando de canciones históricas como la propia “thriller”, “Beat it”, “wanna be startin`something”, uno de los duos con Paul McCartney: “the girl is mine”, y la, que para muchos está considerada su mejor canción “billie jean”. Muchas de ellas fueron número 1 directas y otras llegaron al top ten.
Thriller son múltiples recuerdos para mi. No he olvidado como en casa de unos amigos, que tenían vídeo VHS (casi nadie tenía), habían grabado el especial año nuevo de tve del 84, en el que se emitió la versión íntegra del video clip de “thriller. Ellos ya lo habían visto y no podían consentir que yo no lo viera. Estabamos todos fascinados con los zombies y la personalidad arrolladora de Michael. Ahí fue donde me enganchó el señor Jackson. Para siempre. Esa chica que decía que le quería y él le contestaba que era diferente a los demás; ella replicaba que por eso mismo le quería más, por ser diferente, y él insistía diciéndole que era realmente diferente al resto. Y así ha sido, no ha habido, ni habrá nadie como él. Ha marcado una línea que muchos han intentado seguir y no han podido.
Al poco tiempo, rompí la hucha y me fui directo a la tienda de discos -por aquel entonces había muchas- y me compré el LP de vinilo de Thriller que haría, más o menos, el número 33 millones en ventas. Fue mi primer disco de “mayores”. El paso definitvo en dejar atrás gente como “Parchís” o “Enrique y Ana”, y abrazar la verdadera música. De esa de la que no se produce hoy en día. Esa pequeña tienda de discos cerró al poco tiempo y se convirtió en una tienda de trajes de novia, pero la sigo recordando con mucho cariño. ¿cuánt@s recordais dónde comprabais los discos 25 años atrás?. Me acuerdo de estos detalles por lo que acabaría significando para mi.
Recuerdo que empecé escuchando las canciones más famosas del disco, bueno, supongo que lo hacemos todo, pero con el paso del tiempo vas valorando las otras joyas que vienen en este pedazo de álbum: “Baby be mine”, “P.Y.T.” o “human nature”.
Desde entonces y hasta hoy, siempre que salía el tema Michael Jackson, pensaba en un número: El 1. Es verdad que nunca he sido un super fan suyo si exceptuamos la época de Thriller, pero que siempre lo he seguido y que tengo toda la discografía, supongo que entro, como mínimo, en la categoría de gran admirador.
Anteriormente, Jackson, nos había dejado otra joya como “Off the wall”, de la que hablaremos en otro post para no eternizar éste.
Con la noticia de la desaparición de Jackson aún muy reciente, con los telediarios aún abriendo con esta noticia, he podido constatar de primera mano la cantidad de fans que arrastraba, y arrastra Michael. Gente, como Verónica, creadora de la página http://mjhideout.com, dedicada a Michael, que ha volado urgentemente hacia L.A. para poder despedirse de él. A ella y a muchos otros, es como si se les hubiera muerto un familiar, a otros muchos, como a mi, es como si se nos hubiera muerto un vecino de toda la vida con el que disfrutábamos de charlar en el rellano.
Por eso, me faltan palabras de agradecimiento a Vero por haberme dedicado unos minutos de su escasísimo tiempo y definirme en unas líneas lo que ha significado “thriller” para ella. Escritas de un tirón respondiendo rapidamente a mi petición de colaboración:
Siempre que me preguntan desde cuándo admiro a Michael, una imagen viene a mi cabeza: Yo, muy pequeña, trasteando con curiosidad un armario en el que mis padres guardaban parte de sus discos de vinilo. Tras manosear más de la tercera cuarta parte de la colección, mis ojos se quedaron clavados en la portada que se ha convertido en un icono de la música popular: THRILLER. Ahí empezó mi aventura al lado de Michael, con Billie Jean como piedra angular del amor y admiración que he sentido por él durante todos estos años. Te nos has ido demasiado pronto, Michael, pero los que hemos caminado junto a ti este largo y, en ocasiones, tortuoso camino, nos encargaremos de contribuir a que tu legado siga influenciando generaciones y generaciones. GRACIAS
Estas líneas de Vero tienen mucho valor, pues estan escritas desde un hotel en Los Ángeles, con las calles llenas de gente tributando homenajes espontáneos a Michael Jackson.
Michael ha sido, y es, el puto amo. Thriller es la leche. Yo tengo el recuerdo de tenerlo en una cinta (original). Anda que no lo hemos bailado en casa con mis hermanas. Muchos recuerdos con este disco, sí-
Menudo disco tan genial. Recuerdo lo mucho que me gustaron todas las canciones, y por supuesto, el video de Thriller, que para mí es el mejor videoclip de la Historia.
SEGUIRA SIENDO EL REY
ANDO VENDIENDO UN DISCO ORIGINAL DEL ALBUN THRILLER
SE ACEPTAN OFERTAS ES DE COLECCION PARA AMANTES DE MICHEL JAKSON COMUINIQUENSE CON MIGO SALTILLO COAHUILA 8441457085 CEL
Un disco genial, un videoclip que marcó una época y el mejor cantante de todos los tiempos, por mucho que digan que había entrado en decadencia.
Enhorabuena por el post. Y también a tus colaboradores.
EL FUE UNO DE LOS MEJORES CANTANTES DE LA HISTORIA SIEMPRE SE QUEDARA EN MI CORAZON Y LO RECORDARE LO AMO.ES UNA MENTIRA QUE VIOLO NIÑOS SOLO LOHISIERON PARA SACARLE DINERO . SIN EL LA MUSICA DEJA DE EXISTIR , MUSICA ERA LO DE EL . LO QUIERO PARA SUS FANS COMO YO NO A MUERTO EL TODA BIA SIGIE EN NUESTRO CORAZON,Y LO RECORDAREMOS EN CANDIONES IMAGENES.
LO AMO ,LO EXTRAÑO Y LO QUIERO .
michael jackson para mi fue rey del pop! y lo seguira siendo siempre.
y nadie nunca estara a su altura el fue el mejor y siempre lo seguira siendo en nuestros corazones y en sus canciones! esta visto y demostrado que los discos mas vendidos y mas escuchados de la historia fue los de el!
desde tan pequeño tuvo una infancia maLa.. su padre le pegaba..pero si no lo ubiese hecho alomejor ninguno lo conoceriamos..michael gracias por tu voz gracias por avernos aportado todo de ti y abernos hecho disfrutar a todos con tus canciones una de ellas SMILE para mi inolvidables..porque aunque ya no estes aqui con nosotros se que jamas se borrara una sonrisa de tu cara..! porque todos te apollamos..todos! y yo porsupuesto te adoro!eres el mejor estare escuchando tu musica por siempre..y espero algun dia poder visitarte!michael jackson the best!foreeverr!(L)
hola sabes cuanto vale ese disco es que yo lo quiero me puedes mandar mas infomarcion a mi correo pola_2008@hotmail.com por favor gracias.
pd:yo vivo en chile.
Hola Paola
No sé si te refieres al cd o al vinilo. En casa tengo los dos. El cd es fácil encontrarlo en cualquier tienda, y si no, por internet. Suele costar entre 15-25 euros, dependiendo si es alguna edición especial o no.
El vinilo ya es más complicado. Si te interesa mucho, lo buscaría por internet, o en su defecto, intentaría pasarme por alguna Feria del Disco y vinilos.
Suerte.
michael jackson para mi fue rey del pop! y lo seguira siendo siempre.
y nadie nunca estara a su altura el fue el mejor y siempre lo seguira siendo en nuestros corazones y en sus canciones! esta visto y demostrado que los discos mas vendidos y mas escuchados de la historia fue los de el!
Deseo carnal es, sin duda ninguna, uno de los referentes en el pop español de los 80. En esa época abundaban grupos y solistas de mucha calidad. Empezando con Tequila a finales de los 70, esa década, es sin duda, la dorada del pop español. La llamada movida madrileña es clave para entender el desarrollo del pop en España.
Alrededor de 1978 se formó Kaka de luxe, con gente que luego sería tan conocida como los tres que formaron Dinarama: Olvido Gara (Alaska), Nacho Canut, Carlos Berlanga, hijo del director de cine Luís García Berlanga, y otros como Fernando Márquez el Zurdo, que formaría La Mode, o Enrique Sierra, que sería parte de la formación de Radio Futura junto a los hermanos Auserón.
Después de Kaka de Luxe, que publicó un único single, se formaron los Pegamoides, que estaban compuestos por los tres futuros Dinarama más Ana Curra y Eduardo Benavente, que a su vez formarían más adelante “Parálisis Permanente” con su archiconocido “Quiero ser santa”. De la época de los Pegamoides destacar sus hits “Bailando”, “Terror en el Hipermercado” y “Bote de Colón”.
Llegamos a 1982 y a la época Dinarama que se inaugura con la publicación de “Canciones Profanas”, con hits tan destacables como “Perlas ensangrentadas”o “Rey del glam”, donde digamos, suavizan, el sonido tan punk que habían hecho anteriormente, y evolucionan hacia lo que será su obra maestra: “Deseo Carnal”. Se publicó en 1984 y nada más salir, y como decía el recordado Joaquin Luqui, tú y yo sabíamos que iba a ser 3, 2 o 1. Su primer single “Cómo pudiste hacerme esto a mi” así lo presagiaba.
El disco es una sucesión de grandes éxitos constantes, uno detrás de otro. Casi todos forman parte de los diferentes recopilatorios que se han ido publicando. Ha superado la barrera de lo comercial del momento para convertirse en un álbum al que no han pesado los años. Es uno de esos imprescindibles en toda discoteca que se precie.
“Ni tú ni nadie”, “Un hombre de verdad” o la canción que da título al álbum: “Deseo Carnal”, y su saxo tan característico fueron los temas que llegaron al gran público en su momento. A los que teníamos y tenemos el disco nos encanta “Falsas costumbres”. Sin olvidarnos de “Isis”, “Carne, huesos y tú” o “Víctima de un error”.
Los temas de muertos, zombis, asesinatos y sonidos de películas de terror han sido una constante en los diferentes grupos de Alaska.
Debo reconocer que siendo un adolescente y entonces con tanta oferta musical, y de la buena, me costaba que me gustara la música española. Menos mal que al ir creciendo pude ir apreciando lo bueno y separarlo de los hits de una semana de las radiofórmulas. No es que cualquier tiempo pasado me parezca mejor, pero en temas musicales, y sobre todo, en el panorama nacional, sí. Rotundamente sí. Hoy por hoy, el que quiera tener éxito, o se dedica a hacer versiones, o se llama Bisbal o es latino. Que daño ha hecho OT a la música….Pero no sólo el de aquí, el problema es que en casi todos los paises hay un OT.
Para la mayoría de la gente que practicamente no ha comprado discos, ni siquiera cd, los Roxy son un grupo de dos o tres canciones que suenan en M80, Kiss FM o emisoras de este estilo. A lo mejor alguno sabe que su cantante es Bryan Ferry, el de Slave to love, y que a lo mejor han visto algún vinilo del grupo en casa de sus padres.
Es el ejemplo de como el consumismo rápido ha llegado, hace tiempo, al mundo musical. Si saben que Chenoa, después de dejarlo con el “superventas”???? Bisbal, ha tenido una especie de rollo con David de María, y que critican y tildan de viejo al que dice que lo de ahora no es música, y sí la que hacían, por ejemplo, Roxy Music.
No saben que muchos de los ¿cantantes? actuales sacan versiones de temas de grupos de los 70 y 80. Ni se enteran que esa canción no es suya. En realidad ni les interesa saberlo. Son l@s “Belen Esteban” de la música.
Pero en fin, vamos a Avalon de una vez, que cuando empiezo no paro.
Los Roxy se fundaron a principos de los 70, justo después de la separación de los Beatles, haciendo un tipo de música tirando al Glam, incluso Punk. Fueron evolucionando, diría que radicalmente pero álbum a álbum, hasta este Avalon, de 1983 y su último disco de estudio. En este punto fue donde les conocí. Y de punks tenían más bien poco, o más bien nada. De hecho, eran todo lo contrario. Los comparaba constantemente con Spandau Ballet, aunque en realidad es el grupo de los Kemp el que “robó” algo de la esencia, imagen y puesta en escena de nuevos románticos de los Roxy.
Si tuviera que definir en una palabra a los Roxy Music elegiría “elegancia”. Tanto en imagen como en música. Sobre todo en sus dos últimos álbums de estudio: Fresh+Blood y Avalon. Músicos de traje y corbata.
De Avalon destacan las archiconocidas “More than this”y “Avalon”, que como he dicho más arriba, raro es el día que no suene en una de las emisoras “revival”. Pero, aunque menos conocidas, también son estupendas “Take a chance with me” o “”While my heart is still beating”.
Como decía, Spandau Ballet han sido unos de sus sucesores, si bien no mucho en su música, sí en imagen. Otros que se han podido inspirar musicalmente en Bryan Ferry, Phil Manzanera o Andy McKay pueden ser The Cars, Culture Club, Camel, Duran Duran (Arcadia), o Talk Talk. Mientras que los propios Roxy han mamado de grupos y artistas como Bowie, The Velvet Underground, Pink Floyd o los mismísimos Beatles.
Si te gustan las famosísimas Avalon y More than this, te gustará todo el álbum “Avalon”, si te gusta “Avalon”, te gustará “Fresh+Blood”, y entonces debería gustarte por igual “Manifesto”. Llegados a este punto, podemos decir que, por lo menos, te gustará la mitad de la música de Roxy Music. Por tanto, es el momento de lanzarase a por los primeros álbums y escuchar temas como “love is the drug”, “ladytron” o “Virginia Plain”.
Reconec que Roxy (tens raó), la majoria de vegades els he escoltat a través, especialment, d’M80. No és un dels meus grups predilectes… M’he divertit molt llegint la crítica que fas entre mig del post sobre Chenoa
Apttetite for destruction, opera prima del grupo, marca un antes y un después en el hard rock internacional.
Justo cuando empezaban a dejar de salir grupos nuevos de rock, digamos, medianamente duro, surgieron ellos después de la unión de dos bandas: L.A Guns y Hollywood Roses.
Es un disco predominantemente de hard rock, pero también está influenciado por el punk-rock y heavy metal propiamente dicho. Su mayor acierto ha sido fusionar todos estos estilos.
Centrándonos en Appetite, cabe decir que fue una sorpresa, ya que destacó en las listas de ventas entre multitud de canciones disco y las primeras del acid house.
El disco tiene un nivel muy alto, como así lo demostraron sus ventas, pero hay tres grandes canciones que se pueden considerar bombazos y que se encuentran entre las más conocidas de la banda. La que abre el disco, “Welcome to the jungle”, “Paradise city”, y “Sweet child of mine”, con uno de los riffs más famosos en la historia de la música.
Igualmente destacan “It’s so easy”, “Nightrain” o “Mr. Brownstone”, pero como digo, cualquier aficionad@ de este género no puede perderse ninguna canción de este álbum. Por otra parte, si eres un buen aficionado a este tipo de música, ya tendrás las canciones en casa y sabrás de lo que estoy hablando.
Es verdad que siempre han sido polémicos, que su cantante, Axl Rose, ha estado metido siempre en multitud de líos, llegando a ser detenido en varias ocasiones. Por eso insisto en centrarnos en lo que es exclusivamente su música.
La portada de Appetite for destruction fue polémica desde sus incios, tanto, que el grupo tuvo que acceder a cambiarla o dejaban de distribuir más vinilos por las tiendas. La portada definitiva es una cruz, sobre fondo negro y con las caras calavéricas de cada uno de los miembros de la banda. La portada original fue ubicada en el folleto que viene con el cd.
Otro disco de ABBA. Los he redescubierto últimamente, y creo que éso está bien, pues ahora tengo la sensación de haber perdido tiempo al haberme dedicado únicamente al grandes éxitos. Este disco se publicó en 1977 en Escandinavia y a principios de 1978 en el resto del mundo, y no lo elijo porque sea el mejor disco del cuarteto sueco. Tampoco sabría decir cuál de sus siete discos publicados cuando estaban en activo puede tener la consideración de ser el mejor. Este disco es sonido Abba por los cuatro costados. Sí, tiene un tufillo comercial, pero de la época. Si lo escuchamos ahora no suena así, ni mucho menos. De hecho nos recuerda a algún que otro grupo de los últimos 10 años. Es decir. Abba creó escuela. Así a bote pronto, este álbum tiene dos canciones que destacan sobre las demás: La alegre, divertida y marchosa “Take a chance on me” , que figura en todos sus grandes éxitos y tantas veces versionada (que buena la que hicieron los “Erasure”) y la que para mi es la mejor canción ABBA de todos los tiempos. “Thank you for the music”. La voz de Agnetha, un piano, la melodía, los coros y ya está. Si me dicen que me sólo puedo escuchar una canción de Abba me quedo con ésta. Otro tema más o menos conocido por el público en general es “The name of the game”. Pero hay mejores canciones que ésta en este disco como la que lo abre “Eagle”, la balada estilo ochentero “one man, one woman”, y la muy cañera para lo que los suecos nos tienen acostumbrados “hole in your soul”. “Move on”, es otra baladita muy clásica, muchas veces escuchada en sus discos, pero no por éso no vale la pena escucharla. Mención aparte merece la parte final del disco. Concebido como un mini musical de tres canciones. La primera la consabida “thank you for the music”, le siguieron “I wonder (departure)”, y “I’m a marionette”. “I wonder” es una bonita balada a piano, y “marionette” es una canción ideal para el final de este disco. Le rodea un sonido grandioso, de películas musicales de mediados del siglo XX. Una bonita sorpresa para concluir. Uno de mis últimos descubrimientos de los Abba.
Como siempre que hablo de un disco, recalco que puede ser el que considere el mejor de una banda en cuestión, o no. Pero voy a hablar de “little creatures” porque fue el momento en que descubrí a Talking Heads. Por la radio ponían como single adelanto de este LP la canción “The lady don’t mind”, y al principio no me gustaba, pero me fui acostumbrando a este nuevo sonido de este nuevo grupo (para mi), y acabé comprando el maxisingle de la canción. Como cara B incluía otra canción de este álbum “give me back my name”, un poco rara para mi gusto, pero también acabó enganchandome.
Pasa el tiempo y van sacando singles, “road to nowhere”, “and she was”, y se repite lo mismo, me decido a comprar el single de “and she was”, que era más animada que las otras, y ya me empieza a picar la curiosidad de verdad por el grupo, tanto que a la larga decido agenciarme todo el LP, cosa que debería haber hecho desde el principio, pero bueno, por la explicación que os he dado es hasta cierto punto lógico. No es que hiciera de oro a David Byrne y los suyos, pero me sacaron unas pelillas más de la cuenta. Bien empleadas, eso sí.
Y claro, como soy así, siempre que me ha gustado un grupo he mirado hacia atrás, a ver qué otros trabajos tenían, y en este caso, me encantó lo que encontré: Unos cuantos LP muy buenos y fáciles de escuchar, pero para nada comerciales. Esa época empezó con “little creatures” y continuó con “True stories”.
Es uno de los discos en los que no encuentro canciones de relleno por ningún lado. Eso sí, puede haber alguna composición un poco más oscura o digamos difícil de que te entre a la primera, pero para nada mala.
Es un disco alegre y vitalista y fácil de escuchar. Eso sí, tienes que conocer un poco el grupo para que te guste de verdad. Te recomiendo que hagas ese pequeño esfuerzo si no les conoces.
Estas son sus canciones:
1) And she was
2) Give Me Back My Name;
3) Creatures Of Love;
4) The lady don’t mind
5) Perfect World;
6) Stay Up Late;
7) Walk It Down;
8) Television man
9) Road to nowhere
No me cans mai d’escoltar-los. No podria! 
Qué buena Nandi!!!
Más tiempo sin escucharla… ¡Gracias!
Me encantan las canciones navideñas americanas o bien que estén versionadas por conjuntos o cantantes anglosajones. Los que tenemos aquí…, bueno, son otro estilo
Felices Fiestas! ;D